Hellenistische Kunst

Architektur

Eines der Dinge, die die hellenistische Zeit von anderen Zeiten unterschieden, war die Teilung des Landes Alexanders des Großen in kleinere Teile. In jedem Teil gab es eine Familie von Führern. Die Ptolemäer hatten Ägypten; die Seleukiden hatten Mesopotamien, die Attaliden Pergamon und andere Führer hatten andere Teile. Jede Führerfamilie gab Geld für die Kunst auf eine Weise, die sich von der Art und Weise unterschied, wie die Stadtstaaten es taten. Sie bauten große Städte und komplexe Gebäudekomplexe in einer Weise, die die meisten Stadtstaaten bereits 500 v. Chr. aufgegeben hatten. Diese Art, Gebäude zu bauen, war für Griechenland neu. Auf diese Weise wurde nicht versucht, einen natürlichen Ort zu verändern oder zu fixieren, sondern die Gebäude sollten sich dem natürlichen Ort anpassen. Es gab viele Orte zum Vergnügen, zum Beispiel viele Theater und Plätze zum Spazierengehen. Die hellenistischen Länder hatten Glück, weil sie viel leeren Raum hatten, wo sie große neue Städte bauen konnten. Einige ihrer neuen Städte waren Antiochia, Pergamon und Seleucia am Tigris.

Pergamon ist ein sehr gutes Beispiel für hellenistische Architektur. Es begann mit einer einfachen Festung auf der Akropolis (einem sehr großen Felsen). Verschiedene Ungläubige Könige fügten ihr eine riesige Gruppe von Gebäuden hinzu. Die Gebäude erstrecken sich von der Akropolis aus in viele Richtungen, wobei die natürliche Art und Weise dieses Teils der Erde genutzt wurde. Die Agora, im Süden auf der untersten Ebene, hat an ihren Seiten Galerien mit Stoai (schöne hohe Steindinger, die das Dach halten). Im Osten und auf der Spitze des Felsens befinden sich die Gebäude der Organisatoren, Führer und Soldaten. Auf der Westseite, auf einer mittleren Ebene, befinden sich die religiösen Gebäude. Eines der größten ist das mit dem Pergamonaltar, der "der Götter und der Giganten" genannt wird und eines der schönsten Stücke der griechischen Skulptur ist. Ein sehr großes Theater mit Bänken, die sich über die Seiten des Hügels erstrecken und auf denen Menschen sitzen können, bietet Platz für fast 10.000 Menschen.

Zu dieser Zeit machten sie gerne sehr große Dinge. So war der zweite Apollo-Tempel in Didyma. Er lag zwanzig Kilometer von Milet in lonien entfernt. Daphnis von Milet fertigte den Entwurf dafür Ende des vierten Jahrhunderts v. Chr. (etwa 300 v. Chr.) an, aber er wurde nie vollendet. Sie setzten den Bau bis ins 2. Jahrhundert n. Chr. (nach 100 n. Chr.) fort. Das Heiligtum (spezieller Teil des Tempels) ist eines der größten, das je in der Nähe des Mittelmeers errichtet wurde. In einem sehr großen Raum hat die Cella zwei Reihen von Säulen (hohe runde Dinge) um sich herum. Die Säulen sind ionischer Art, fast 20 Meter hoch, mit viel komplexer Steinkunst an den Sockeln und Spitzen.

Pergamonaltar, Pergamonmuseum, Berlin

Skulptur

Zur hellenistischen Skulptur gehören Porträts, die Dinge wie Leiden, Schlaf oder Alter zeigen.

Attalus I. (269-197 v. Chr.) ließ zum Gedenken an seinen Sieg bei Caicus gegen die Gallier - von den Griechen Galater genannt - zwei Serien von Votivgruppen anfertigen: Die erste, die auf der Akropolis von Pergamon geweiht wurde, umfasst den berühmten Gallier, der sich selbst und seine Frau tötete und dessen Original verloren gegangen ist (die beste Kopie befindet sich im Museum Massimo alle Terme in Rom, siehe Abbildung); die zweite Gruppe, die Athen geschenkt wurde, besteht aus kleinen Bronzen von Griechen, Amazonen, Göttern und Riesen, Persern und Galliern. Artemis Rospigliosi aus dem Louvre ist wahrscheinlich eine Kopie einer von ihnen; was die Kopien des sterbenden Galliens betrifft, so waren sie in der römischen Zeit sehr zahlreich. Der Ausdruck von Gefühlen, die Eindringlichkeit der Details - hier buschiges Haar und Schnurrbärte - und die Gewalt der Bewegungen sind charakteristisch für den pergamenischen Stil.

Diese Charakteristika finden ihren Höhepunkt in den Friesen des Großen Altars von Pergamon, der im Auftrag von Eumenes II. (197-159 v. Chr.) mit einer 110 Meter langen Gigantomachie geschmückt ist, die in dem Stein ein eigens für den Hof verfasstes Gedicht illustriert. Die Olympioniken triumphieren darin, jeder auf seiner Seite, über Riesen, von denen die meisten in wilde Bestien verwandelt sind: Schlangen, Raubvögel, Löwen oder Stiere. Ihre Mutter Gaia, die ihnen zu Hilfe kommt, kann nichts tun und muss zusehen, wie sie sich unter den Schlägen der Götter vor Schmerz verdrehen.

Ein weiteres Phänomen tritt in der hellenistischen Skulptur auf: die Privatisierung, bei der ältere öffentliche Muster in der dekorativen Skulptur wieder aufgegriffen werden. Diese Art von retrospektivem Stil gibt es auch in der Keramik. Was die Porträts betrifft, so sind sie unter dem Einfluss der römischen Kunst vom Naturalismus geprägt.

Barberini-Faun, Marmorkopie eines bronzenen Originals, um 200 v. Chr., Die Glyptothek, München

Gemälde und Mosaiken

Nur wenige griechische Wandmalereien haben die Jahrhunderte überlebt. Wir können jedoch die hellenistischen Einflüsse in römischen Fresken studieren, zum Beispiel in denen von Pompeji oder Herculaneum. Bestimmte Mosaiken geben eine ziemlich gute Vorstellung von der "großen Malerei" dieser Zeit: Es handelt sich um Kopien von Fresken. Ein Beispiel ist das Alexander-Mosaik, das die Konfrontation des jungen Eroberers und des Großkönigs Darius III. in der Schlacht von Issus zeigt, ein Mosaik, das die Wände des Hauses des Fauns in Pompeji schmückt. Es handelt sich vermutlich um die Kopie eines von Plinius dem Älteren (XXXV, 110) beschriebenen Werkes, das Philoxenus von Eretria Ende des 4. Jahrhunderts v. Chr. für König Kassander von Makedonien gemalt hatte. Jahrhunderts v. Chr. gemalt wurde. Das Mosaik erlaubt uns, die Wahl der Farben, die Komposition des Ensembles mit drehender Bewegung und die Gesichtsexpressivität zu bewundern.

Archäologische Funde auf dem Friedhof von Pagasae (in der Nähe des heutigen Volos), am Rande des Pagasetischen Golfs, oder erneut in Vergina (1987), im ehemaligen Königreich Mazedonien, haben einige Originalwerke ans Licht gebracht. Das Grabmal, von dem gesagt wird, es sei das Grab Philipps II., hat beispielsweise einen großen Fries mit der Darstellung einer königlichen Löwenjagd geliefert, der durch seine Komposition, die Anordnung der Figuren im Raum und seine realistische Darstellung der Natur bemerkenswert ist.

Die hellenistische Periode ist auch die Zeit der Entwicklung des Mosaiks, insbesondere mit den Werken von Sosos von Pergamon, der im 2. Jahrhundert v. Chr. aktiv war und der einzige Mosaikkünstler, der von Plinius zitiert wird (XXXVI, 184). Seine Vorliebe für das Trompe l'oeil (optische Täuschung) und die Wirkung des Mediums finden sich in mehreren ihm zugeschriebenen Werken wie dem "Ungekehrten Boden" im Vatikanischen Museum, der die Überreste einer Nachspeise darstellt (Fischgräten, Knochen, leere Muscheln usw.) und dem "Taubenbecken" im Kapitolinischen Museum, bekannt durch eine Reproduktion, die in der Villa Hadrians entdeckt wurde. Darin sieht man vier Tauben, die auf dem Rand eines mit Wasser gefüllten Beckens sitzen. Eine von ihnen bewässert sich selbst, während die anderen zu ruhen scheinen, was Effekte von Reflexionen und Schatten erzeugt, die von der Künstlerin perfekt studiert wurden.

Das Alexander-Mosaik, aus dem Haus des Fauns, Pompeji, jetzt im Archäologischen Nationalmuseum, Neapel

Keramik

Die hellenistische Periode ist die des Niedergangs der Vasenmalerei. Die gebräuchlichsten Vasen sind schwarz und einheitlich, mit einem glänzenden Erscheinungsbild, das dem des Lacks nahe kommt, verziert mit einfachen Blumen- oder Girlandenmotiven. Es ist auch die Periode, in der Reliefvasen auftauchten, zweifellos als Imitation von Vasen aus Edelmetall: Reliefkränze wurden auf den Korpus der Vase aufgebracht, oder aber die hier gezeigte Vase erhielt wieder Adern oder Gadronen. Man findet auch komplexere Reliefs, die auf Tieren oder sagenhaftenKreaturen basieren. Auch die Formen der Vasen sind von der Tradition des Metalls inspiriert: so mit dem Lagynos (hier abgebildet), einem für die Epoche typischen Weinkrug.

Parallel dazu existierte eine Tradition der polychromen figurativen Malerei: Die Künstler suchten eine größere Vielfalt an Farbtönen als in der Vergangenheit. Diese neueren Farben sind jedoch zarter und unterstützen die Wärme nicht. Die Malerei erfolgte daher entgegen der traditionellen Praxis nach dem Brennen. Da die Zerbrechlichkeit der Pigmente einen häufigen Gebrauch dieser Vasen verhinderte, wurden sie für die Verwendung bei Beerdigungen reserviert. Die repräsentativsten Exemplare dieses Stils stammen aus Centuripe in Sizilien, wo bis ins 3. Jahrhundert v. Chr. eine Werkstatt tätig war. Diese Vasen zeichnen sich durch einen rosa bemalten Sockel aus. Die Figuren, oft weiblich, sind in farbiger Kleidung dargestellt: blau-violetter Chiton, gelber Himation, weißer Schleier. Der Stil erinnert an Pompeji und ist viel mehr auf der Seite der großen zeitgenössischen Gemälde als auf dem Erbe der rotfigurigen Keramik angesiedelt.

Lagynos mit Musikinstrumenten geschmückt, 150100 ‑v. Chr., der Louvre

Kleine Künste

Metallische Kunst

Die Fortschritte im Bronzeguss ermöglichten es den Griechen, große Werke zu schaffen, wie den Koloss von Rhodos mit einer Höhe von 32 Metern. Viele der großen Bronzestatuen gingen verloren - die meisten wurden geschmolzen, um das Material zurückzugewinnen. Aus diesem Grund sind nur noch die kleineren Objekte erhalten. Glücklicherweise waren die Rohstoffe während des hellenistischen Griechenlands nach den Eroberungen des Ostens reichlich vorhanden.

Die Arbeit an Metallvasen nahm eine neue Fülle an: Die Künstler wetteiferten mit großer Virtuosität untereinander. In Panagyurishte (heute in Bulgarien) wurden kunstvoll gearbeitete Goldvasen gefunden: auf einer Amphore bilden zwei sich aufbäumende Zentauren die Henkel. In Derveni, unweit von Salonica, wurde in einem Grab ein großer Krater mit Voluten aus Bronze gefunden, der etwa 320 v. Chr. datiert wird und 40 Kilogramm wiegt (Derveni-Krater). Er ist mit einem 32 Zentimeter hohen Fries mit Relieffiguren geschmückt, die Dionysos umgeben von Ariadne und ihrer Prozession von Satyren und Mänaden darstellen. Der Hals ist mit ornamentalen Motiven verziert, während vier Satyrn im Hochrelief lässig auf den Schultern der Vase sitzen. Die Entwicklung ist ähnlich für die Schmuckkunst. Die Juweliere der damaligen Zeit zeichneten sich durch die Handhabung von Details und Filigranarbeiten aus: So zeigen die Grabkränze sehr realistische Blätter von Bäumen oder Weizenstengel. In dieser Zeit blühte das Einsetzen von Edelsteinen.

Die Figuren waren ebenfalls in Mode. Sie repräsentierten sowohl Gottheiten als auch Themen aus dem zeitgenössischen Leben. So entstand das Thema des "Negers", insbesondere im ptolemäischen Ägypten: Diese Statuetten schwarzer Jugendlicher waren bis in die römische Zeit erfolgreich. Manchmal wurden sie darauf reduziert, eine Form aus den großen Skulpturen wiederzugeben: so findet man zahlreiche Miniaturkopien der Tyche (Glück) von Antiochien, von denen das Original auf den Beginn des 3.

Terrakotta-Figuren

Früher war die griechische Terrakotta-Figur im hellenistischen Griechenland dem religiösen Gebrauch vorbehalten und wurde häufiger für Begräbnis- und sogar Dekorationszwecke verwendet. Die Verfeinerung der Gusstechnik ermöglichte es, echte Miniaturstatuen mit einem hohen Detailgrad zu schaffen.

In Tanagra, in Böotien, stellen die Figuren, voller lebhafter Farben, meist elegante Frauen in Szenen voller Charme dar. In Smyrna, in Kleinasien, traten zwei große Stile nebeneinander auf: erstens Kopien von Meisterwerken der großen Bildhauerei, wie z.B. Farnese Hercules in vergoldeter Terrakotta. In einem ganz anderen Genre gibt es die "Grotesken", die in heftigem Kontrast zu den Kanons der "griechischen Schönheit" stehen: die koroplathos (Figurenmacher) verformen die Körper in gewundenen Posen - Bucklige, Epileptiker, Hydrozephaliker, fettleibige Frauen usw. Man könnte sich daher fragen, ob es sich dabei um medizinische Modelle handelte, da die Stadt Smyrna für ihre medizinische Fakultät bekannt ist. Oder es könnten einfach Karikaturen sein, die zum Lachen anregen sollen. Die "Grotesken" sind in Tarsus und auch in Alexandria gleichermaßen verbreitet.

Glaskunst und Glyptik

Es war in der hellenistischen Zeit, als die Griechen, die bis dahin nur geformtes Glas kannten, die Technik des Glasblasens entdeckten und damit neue Formen ermöglichten. Die Glaskunst entwickelte sich vor allem in Italien. Das geblasene Glas setzte sich fort, insbesondere bei der Herstellung von Intaglioschmuck.

Die Kunst der Edelsteingravur kam kaum voran und beschränkte sich auf Massenprodukte, denen es an Originalität fehlte. Zum Ausgleich erschien die Kamee. Es handelt sich um einen Reliefschliff auf einem aus mehreren Farbschichten zusammengesetzten Stein, der es erlaubt, das Objekt durch die Wirkung der Farbe reliefartig darzustellen. Danach wird es auf einen Anhänger oder als Ring montiert. Die hellenistische Zeit brachte einige Meisterwerke hervor, wie die Gonzaga-Kamee, die heute im Eremitage-Museum aufbewahrt wird.

Elemente einer Grabkrone, 3. Jahrhundert n. Chr., Louvre


Fettleibige Frau mit einem Glas Wein in der Hand, Kertch, zweite Hälfte des 4. Jahrhunderts v. Chr., Louvre

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