Nationalgalerie, London

Geschichte

1823 bot ein Sammler namens Sir George Beaumont an, seine berühmte Gemäldesammlung der britischen Regierung zu schenken, um eine öffentliche Kunstgalerie zu gründen. Im Jahr 1824 stand eine weitere berühmte Gemäldesammlung zum Verkauf. Der Besitzer, John Julius Angerstein, war gestorben. Es sah so aus, als würden seine Gemälde außerhalb Englands verkauft werden. Dann gab es ein weiteres Angebot mit Gemälden von einem dritten Sammler, Reverend Holwell Carr. Das Parlament musste eine schnelle Entscheidung treffen.

Das Parlament stimmte dafür, dass eine nationale Sammlung begonnen und eine Galerie gebaut werden sollte. Sie gaben 60.000 Pfund Sterling für den Kauf der Angerstein-Gemälde. Sie erhielten 38 Bilder und konnten sie im Angerstein-Haus öffentlich ausstellen.

Die Sammlung wuchs schnell mit dem Ankauf oder der Schenkung der Gemälde von Beaumont, Holwell Carr und anderen. Eine neue Galerie wurde benötigt. Im Jahre 1831 wurden die Pläne des Architekten William Wilkins angenommen. Der Standort mit Blick auf den Trafalgar Square wurde gewählt, alte Gebäude wurden abgerissen und die prächtige neue Galerie wurde am 9. April 1838 eröffnet.

Als die Nationalgalerie eröffnet wurde, herrschte die Meinung vor, dass Gemälde der Hochrenaissance der späten 1400er Jahre bis hin zu Barockgemälden des 1600er Jahrhunderts die feinste Art von Kunst seien. Das Wort "primitiv" wurde verwendet, um die italienische Malerei des 13. und frühen 14. Glücklicherweise hielt es der Direktor der Galerie, Sir Charles Eastlake, für wichtig, einige dieser primitiven Gemälde sowie die populäreren Gemälde der Hochrenaissance zu sammeln. So kam die Nationalgalerie in den Besitz so vieler sehr seltener Werke aus dem Spätmittelalter und der Frührenaissance.

In den 1870er Jahren hatte die Galerie das Glück, zwei Sammlungen mit Gemälden berühmter niederländischer Künstler zu erhalten. Um sie unterzubringen, musste das Gebäude vergrößert werden. Die Galerie erhielt auch Gemälde berühmter britischer Künstler; bald waren es so viele, dass die meisten von ihnen in eine neue Galerie namens Tate ausgelagert wurden.

Im 20. Jahrhundert wurde es immer schwieriger, sehr wichtige Gemälde zu kaufen; es gab andere Galerien in den Vereinigten Staaten und in Deutschland, die versuchten, die gleichen Gemälde zu kaufen. Daher begann die Nationalgalerie, Werke modernerer Maler zu kaufen und verfügte bald über eine Sammlung von Gemälden des 19. und frühen 20. Jahrhunderts. Dies ist kein großer Teil der Sammlung der Nationalgalerie, aber sie zeigt kleine Werke von vielen sehr wichtigen Künstlern, insbesondere der Impressionisten.

Raffaels Madonna mit den Nelken, um 1506 gemalt, ist eines der letzten wichtigen Gemälde, das von der Nationalgalerie angekauft wurde.

Wichtige Gemälde

Frühitalienisch

• Duccio, Madonna mit Kind, um 1300, Siena
• Masaccio, Madonna mit Kind, um 1426, Florenz
• Fra Angelico, Christus in Herrlichkeit, um 1435, Florenz

• Uccello, St. Georg und der Drache, um 1450, Florenz

Die Geschichte dieses Gemäldes ist eine christliche Legende über einen Drachen, der eine Prinzessin gestohlen hat. Die Prinzessin verzauberte den Drachen und band ihn mit ihrem Gürtel fest, aber sie konnte ihm nicht entkommen. Der edle Georg kam ihr zu Hilfe und tötete den Drachen. Es gibt viele Gemälde des Heiligen Georg in der Nationalgalerie, weil er der Schutzheilige Englands ist. Uccello hat versucht, die Perspektive der Landschaft zu zeigen, indem er helle und dunkle Bereiche auf dem Boden arrangiert hat. Diagonale Linien sind in diesem Bild wichtig. Die Linie, die von Flügel und Bein des Drachens gebildet wird, geht in die gleiche Richtung wie Georges Speer, während der Körper und der Schwanz in die entgegengesetzte Richtung gehen.

• Piero della Francesca, Die Taufe Christi, um 1450, Umbrien
• Mantegna, Die Qual im Garten, 1460, Mantua
• Pollaiuolo, Das Martyrium des Heiligen Sebastian, 1475, Florenz

• Sandro Botticelli, Mars und Venus, 1480er Jahre, Florenz

Die Geschichte dieses Gemäldes stammt aus der römischen Mythologie. Mars, der Gott des Krieges, hat mit Venus, der Göttin der Liebe, Liebe gemacht. Er ist so müde, dass er nicht weiß, dass kleine Faune mit seinen Waffen spielen. Aber einer ist im Begriff, ihm eine große Granate lautstark ins Ohr zu blasen. Die Botschaft dieses Bildes ist, dass die Liebe über den Krieg siegen kann. Der Entwurf basiert auf einem großen W., wodurch das Gemälde symmetrisch ist. Botticelli hat dies für das Schlafzimmer von Giuliano de'Medici, einem wohlhabenden Adligen aus Florenz, gemacht. Er malte den Mars so, dass er wie Giuliano aussah, und die Venus so, dass sie wie seine Freundin aussah, aber Giuliano hatte nicht viel Zeit, sich an seinen Bildern zu erfreuen, da er nur kurze Zeit später ermordet wurde.

• Perugino, Madonna und Kind mit den Engeln Michael und Raphael, 1496, Perugia
• Giovanni Bellini, Porträt von Leonardo Loredano, Dogen von Venedig, 1501, Venedig

Frühe nordeuropäische Malerei

• Unbekannter Maler, The Wilton Diptychon, um 1395, England oder Frankreich

Das Wilton-Diptychon ist eines der wertvollsten Gemälde der Nationalgalerie, da die meisten kleinen Kunstwerke aus dem Mittelalter in England zerstört wurden. Dieses Gemälde zeigt König Richard II. von England, wie er von seinen drei Schutzheiligen der Jungfrau Maria überreicht wird. Es ist in Tempera gemalt; die Farben sind mit Ei gemischt. Das Wort "Diptychon" bedeutet, dass es aus zwei Teilen besteht und wie ein Buch geschlossen werden kann. Der Hintergrund ist mit dünn geschlagenem Blattgold bedeckt. Das Blau ist aus zermahlenem Halbedelstein, Lapislazuli, hergestellt. Möglicherweise wurde es als Hochzeitsgeschenk für den König gemalt, während er sich in Frankreich aufhielt.

• Jan van Eyck, Die Arnolfini-Hochzeit, 1434, Belgien
• Hans Memling, Jungfrau und Kind mit Heiligen und Spendern, 1477, Brügge
• Rogier van der Weyden, Pieta, um 1460, Brüssel
• Hieronymus Bosch, Die Verhöhnung Christi, um 1480, Bois-le-Duc
• Albrecht Dürer, Der Vater des Malers, 1497, Nürnberg

• Gerard David, Jungfrau und Kind mit Heiligen und einem Spender, 1505, Brügge.

Dieses Gemälde ist ein Altarbild für eine Kirche. Es zeigt die Jungfrau Maria wie eine Königin auf einem Thron sitzend mit dem Jesuskind. Er wird von drei weiblichen Heiligen und von dem Mann verehrt, der den Künstler dafür bezahlt hat, das Bild für die Kirche zu malen. Er wird der "Spender" genannt. Alles auf dem Bild ist sehr detailliert gemalt worden, die Kleidung, die Fliesen, der Schmuck, die Gebäude und die Blumen. Viele der Dinge auf dem Bild sind Symbole. Der kleine Hund ist das Symbol der Treue. Die Lilien sind das Symbol für die Reinheit der Jungfrau Maria. Das Bild zeigt keinen Teil einer Geschichte oder eines Moments in der Zeit. Das Bild ist gemalt worden, um dem Betrachter zu helfen, den Geist für das Gebet zu beruhigen.

• Lucas Cranach, Amor, von einer Biene gestochen, 1522, Weimer
• Hans Holbein, The Ambassadors, 1533, geboren in Augsburg, gestorben in London. Siehe unten.
• Pieter Breughel der Ältere, Die Anbetung der Könige, 1564, Brüssel

Italien um 1500

• Leonardo da Vinci, Die Jungfrau von den Felsen, um 1506, Mailand. Siehe unten.
• Michelangelo, Die Grablegung Christi, um 1506, Rom. Siehe unten.
• Raffael, Die Ansidei-Madonna, um 1505,
• Giorgione, Anbetung der Könige, 1507, Venedig

• Tizian, Bacchus und Ariadne, 1523, Venedig

Dieses Bild stammt aus der griechischen Mythologie. Prinzessin Ariadne hat auf Naxos, der Insel Bacchus, Schiffbruch erlitten. Bacchus sieht Ariadne und verliebt sich auf den ersten Blick. Tizian zeigt ihn, wie er von seinem Streitwagen springt, der von Geparden gezogen wird, während Ariadne sich umdreht, um wegzulaufen. Aber Ariadne hat Bacchus in die Augen gesehen, und auch sie hat sich verliebt. Am Himmel ist die Sternenkrone, die Bacchus ihr bei ihrer Hochzeit geschenkt hat. Tizian hat in vielen der Figuren eine Spiralbewegung gemalt. Sie ist in Ariadnes rotem Schal zu sehen. Obwohl es in diesem Gemälde um Mythologie geht, sind die Figuren sehr realistisch.

• Parmigiano, Madonna mit Kind und Johannes, 1527, Parma

• Lorenzo Lotto, Dame als Lukrezia, 1530, Venedig

Dieses Porträt zeigt eine Frau in einem farbenprächtigen Samtkleid, die eine Zeichnung von Lucretia, einer adligen Frau aus dem alten Rom, hält, die Selbstmord beging, indem sie sich nach der Vergewaltigung erstach. Das Gemälde wurde möglicherweise für eine Familie gemalt, die wollte, dass ihre Tochter gut heiratet. Die Symbolik des Gemäldes zeigt erstens, dass die junge Frau reich ist, und zweitens, dass sie sexuell rein ist. Diese beiden Dinge waren wichtig für eine gute Ehe. Lotto hat den Farbkontrast im orange-grünen Kleid verwendet, um eine reiche Wirkung zu erzielen. Er hat auch einen ungewöhnlichen Gebrauch des Farbkontrasts gemacht. Sehr helle Bereiche wie ihr Gesicht, ihr Busen und ihre Hand steuern das Zentrum des Bildes. Drei weitere sehr helle Bereiche befinden sich auf der rechten Seite, die Zeichnung, die Hand und die Notiz. Diese Anordnung ist asymmetrisch

• Bronzino, Allegorie, um 1550, Florenz. Siehe unten.
• Tintoretto, St. Georg und der Drache, 1560er Jahre, Venedig

Italien, Frankreich und Spanien in den 1600er Jahren

• Caravaggio, Das Abendmahl zu Emmaus, um 1600, Rom

Dieses Gemälde basiert auf einer Geschichte aus der Bibel. Zwei Jünger Jesu gingen auf der Straße nach Emmaus und sprachen traurig über den Tod Jesu. Ein Mann kam und ging mit ihnen, aber zunächst kannten sie ihn nicht. Als sie an diesem Abend in einem Gasthaus zu Abend aßen, wussten sie plötzlich, dass es Jesus war, der von den Toten auferstanden war und nun am Leben war. Caravaggio hat diesen Moment in der Zeit gezeigt, als ob es sich um ein Foto handelte. Die Dinge, die dieses Bild so real erscheinen lassen, sind das Licht, die Bewegung und die Details. Caravaggio hat das von einer Seite kommende Licht gemalt, als ob es eine große Lampe gäbe. Der Kopf des Gastwirts macht einen Schatten hinter Jesus, der wie ein Heiligenschein wirkt. Das Bild hat eine einzige Sekunde eingefangen, als Jesus die Hand gehoben hat, ein Mann beginnt aufzustehen und der andere wirft seine Arme aus. Nur der Gastwirt steht still. Der Blick auf die Hand Jesu, die Arme des Mannes und den Ellbogen des anderen Mannes ist verkürzt. Die Details zeigen gewöhnliche Menschen mit gewöhnlicher Kleidung, die alt und zerrissen sind. Es gibt auch ein Stilleben des Korbes an der Tischkante. Caravaggios Beleuchtung und sein Realismus wurden von vielen anderen Malern, darunter Rembrandt und Velazquez, kopiert.

• El Greco, Christus treibt die Händler aus dem Tempel, um 1600, Toledo
• Annibale Carracci, Quo vadis? , 1602, Rom

• Claude Le Lorrain, Abreise der Königin von Saba, 1648, Frankreich und Rom

Diese imaginäre Landschaft basiert auf einer Geschichte aus der Bibel. In dieser Szene begibt sich die Königin von Saba auf ihre Reise von Afrika nach Palästina, um König Salomo zu treffen. Aber was der Künstler wirklich zeigen wollte, war das neblige Morgenlicht des Sonnenaufgangs über dem Meer. Er hat auch drei verschiedene Arten von Gebäuden gemalt. Auf der linken Seite befindet sich eine antike Ruine, wie sie der Künstler in Rom gesehen hat. Im Hintergrund sind eine Burg und ein Turm aus dem Mittelalter zu sehen. Links kommt die Königin aus einem großen Palast im neuen Stil der Renaissance. Nichts in diesem Gemälde hat etwas mit Afrika oder Palästina zu tun. Es handelt von Rom. Indem Poussin die Königin von Saba zeigt, sagt er, dass die Stadt Rom mit ihrer 2000 Jahre langen Geschichte wie die schönste und intelligenteste Königin ist, die je gelebt hat. Diese Art von Gemälde wird "Allegorie" genannt.

• Nikolaus Poussin, Bacchanale, 1603, Frankreich und Rom

Dieses Gemälde ist eine Szene aus der römischen Mythologie. Die Frauen sind Nymphen, die Geister des Waldes. Einige der Männer sind Satyrn und haben Ziegenhörner und Ziegenhufe. Sie leben auf Naxos, der Insel des Bacchus, und verbringen viel Zeit damit, sich zu betrinken, zu tanzen und Liebe zu machen. Bei dieser wilden Party trinken sogar die Babys Wein. Eine Nymphe ist gerade dabei, einen Weinkrug auf dem Kopf eines Satyrs zu zerschlagen, der versucht, ihre Freundin zu küssen. Poussin hat große Flächen in leuchtenden Farben verwendet. Auf den ersten Blick sieht das Bild wie ein Durcheinander von Körpern aus, aber alles ist sehr sorgfältig arrangiert, um dem ganzen Bild einen tänzerischen Effekt zu verleihen. Eine große dreieckige Form enthält alle Figuren. Außerhalb des Dreiecks auf der rechten Seite befindet sich eine Statue von Pan. Auf der linken Seite befindet sich eine schöne Landschaft.

• Diego Velazquez, Die Rokeby-Venus, 1649, Madrid.

Dieses Bild ist der römischen Mythologie entnommen. Es zeigt Venus, Göttin der Liebe und Schönheit, die in einen Spiegel schaut, den ihr Sohn Amor hält. Velazquez verbrachte die meiste Zeit damit, Porträts für die spanische Königsfamilie und ihre Verwandten zu malen. Er ist einer der berühmtesten Porträtmaler aller Zeiten. Aber dieses Gemälde wurde wahrscheinlich für ihn selbst gemalt, und als er es malte, brachte er sich selbst in Gefahr, ernsthaft bestraft zu werden. In Spanien herrschte zwar der König, aber die Kirche hatte die Kontrolle. Sie beobachtete alles, was alle taten, und ließ eine sehr große Zahl von Menschen töten. Es war in Spanien gegen das Gesetz, Nacktbilder wie dieses zu malen. Velazquez hat sehr darauf geachtet, nur ihre Rückseite zu zeigen. Das Bild des Gesichts ist nicht sehr klar. Alte Spiegel waren nicht so klar wie moderne. Vielleicht wollte Velazquez das Gesicht der Frau zu ihrem Schutz verkleiden. Die Anordnung und Farbgebung in diesem Gemälde ist sehr einfach. Die anmutigen Linien des Körpers wiederholen sich in den grau-weißen Bettdecken. Der rote Vorhang steht im gleichen Winkel wie ihr Kopf und hat eine warme Farbe, wie ihr rosa Fleisch.

• Murillo, Die zwei Dreifaltigkeiten, 1681, Sevilla

Holland und Flandern in den 1600er Jahren

• Gerrit von Honthorst, Christus vor dem Hohenpriester, 1617, Utrecht

• Rembrandt, Belsazar-Fest, 1630er Jahre, Leyden

Rembrandt ist vor allem als Porträtmaler bekannt, insbesondere für die vielen Selbstporträts, die sein Leben von der Teenagerzeit bis ins hohe Alter festhalten. Er malte auch viele Szenen aus der Bibel wie diese hier. Der Vater des Fürsten Belsazar hatte das jüdische Volk als Sklaven nach Babylon verschleppt. Belsazar gab ein Fest, und er schickte Diener, um die aus dem Tempel in Jerusalem gestohlenen goldenen Becher zu holen. Plötzlich erschien eine seltsame Hand und schrieb eine Botschaft an die Wand. Niemand wusste, was sie bedeutete, also fragte Balshazzar Daniel, der ein jüdischer Prophet war. Daniel sagte: "Ihr seid von Gott gewogen und gemessen worden. Du erfüllst nicht Gottes Regeln. Deine Tage sind gezählt!" Dieses Gemälde zeigt, wie viel die niederländischen Maler von Caravaggio gelernt haben. Dieses Gemälde kann mit dem Abendmahl von Emmaus verglichen werden. Es ist eine weitere Szene voller Dramatik. Rembrandt hat zwei der Figuren in ungewöhnlichen Winkeln platziert. Belsazars Körper ist dem Betrachter zugewandt, aber sein Kopf ist herumgeschraubt, um zu sehen, was hinter ihm geschieht. Als er von seinem Stuhl aufspringt, stößt er den goldenen Becher an, den eine seiner Frauen hält. Auch sie befindet sich in einem merkwürdigen Winkel, weil der Betrachter auf ihren Kopf und ihre Schultern blickt. Rembrandt hat einen Kontrast zwischen der reichen Textur seiner Gewänder und seinem schlaffen Gesicht und seinem dicken Bauch geschaffen.

• Anthony van Dyck, Karl I. von England zu Pferd, 1631, London. Siehe unten.

• Peter Paul Rubens, Das jüngste Gericht von Paris, 1632, Antwerpen

Rubens war ein so populärer Maler, dass er reich und berühmt wurde. Er malte Porträts und viele Szenen aus der Bibel und der Mythologie. Die Geschichte dieses Gemäldes stammt aus der griechischen und römischen Mythologie. Paris war ein Prinz, der von einem Schäfer erzogen wurde. Er erhielt einen goldenen Apfel und wurde gebeten, einen Schönheitswettbewerb zwischen drei Göttinnen zu beurteilen: Juno, die Göttin der Familie; Minerva, die Göttin des Krieges und Venus, die Göttin der Liebe. Jede von ihnen setzte eine Belohnung aus: Reichtum, Erfolg im Kampf und die schönste Frau der Welt als seine Ehefrau. Paris wählte die letzte und schenkte den Apfel der Venus. Das machte zwei sehr mächtige Menschen wütend. Und, was er nicht begriff, war, dass die schönste Frau der Welt, Helena von Troja, bereits verheiratet war. Rubens hat ein Bild gemalt, das die Wand des Hauses eines reichen Mäzens schmücken soll. Das Bild hat viele Details, die helfen, die Geschichte zu erzählen. Dazu gehören der kleine Amor, ein Schäferhund, der Pfau von Juno, der furchterregende Schild von Minerva und Schafe, die in der schönen Landschaft grasen. Aber das Wichtigste in dem Gemälde sind die drei schönen Akte. Das war es, was Rubens Bilder so beliebt machte.

• Franz Hals, Familiengruppe, 1640er Jahre, Antwerpen
• Pieter der Hoogh, Hof in Delft, 1658, Delft. Siehe unten.
• Johannes Vermeer, Junge Frau bei den Virginals, um 1670, Delft. Siehe unten.

• Meyndert Hobbema, The Avenue, 1689, Middelharnis

Die Landschaftsmalerei wurde in Holland in den 1600er Jahren sehr populär. In diesem Bild ist die Perspektive sehr wichtig. In einem sehr flachen Land kann es schwierig sein, zu beurteilen, wie weit die Dinge entfernt sind. Hobbema hat diese gerade Straße mit zwei Reihen hoher Bäume benutzt, um ein Gefühl dafür zu vermitteln, wie weit die Stadt entfernt ist. Auf den ersten Blick wirkt dieses Gemälde recht symmetrisch. Aber Hobbema hat viele Unterschiede hinzugefügt, um das Bild interessanter zu machen, indem er ein Bauernhaus auf der einen Seite mit einer Kirche auf der anderen Seite ausbalanciert und die beiden Baumreihen ganz unterschiedlich gestaltet hat.

Die 1700er Jahre

• Watteau, Die Liebenden, um 1720, Frankreich
• Giambattista Pittoni , Das Opfer der Polyxena, 1740, Venedig
• Canaletto, Das Markusbecken an Christi Himmelfahrt, um 1740, Venedig
• Chardin, Der kleine Lehrer, um 1740, Paris. Siehe unten.
• William Hogarth, Heirat a la Mode (eine Geschichte in sechs Bildern), 1743, London

• George Stubbs, Eine Familie in ihrem Phaeton, um 1750, England

In den 1700er Jahren waren Landschaftsgemälde in England beliebt, aber sie waren mehr als nur Bilder der schönen Landschaft, die als Dekoration für einen Raum gemalt wurden. Die meisten Landschaftsgemälde waren auch Aufzeichnungen über eine Familie und das Land, das sie besaßen. Sie waren ein Zeichen für den Reichtum und den Status der Familie. In diesem Gemälde zeigen die Grundbesitzer ihren privaten Park mit seiner Vielfalt an Bäumen. Sie zeigen auch ihr prächtiges Pferdepaar und ihre elegante Kutsche, einen "Phaeton" genannt. Zusammen bilden diese Kutsche und die Pferde das Äquivalent eines sehr teuren Autos aus dem 18. Stubbs war vor allem für seine Pferdemalerei berühmt. Er war ein Meister im Komponieren schöner Bilder. Hier hat er ein Gleichgewicht zwischen dem großen modischen Hut der Dame vor dem dunklen Baum und den schwarzen Pferden vor dem hellen Himmel geschaffen.

• Tiepolo, Allegorie der Liebe und der Zeit, 1754, Italien
• Joshua Reynolds, Sir Banastre Tarleton, 1782, London
• Thomas Gainsborough, Der Morgenspaziergang, 1786, London
• Goya, Der Herzog von Wellington, 1812, Spanien und Frankreich

ab 1800

• Turner, Das Temeraire, 1838, London

Dies ist ein trauriges Gemälde. Sein vollständiger Name ist The Fighting Temeraire, die an ihren letzten Liegeplatz gezerrt und als Schrott zerlegt wurde. Dies ist die letzte Reise für eines der großen Kriegsschiffe, das in der Schlacht von Trafalgar für England gegen die französische Flotte gekämpft hatte. Ihre große elegante Form bildet einen Kontrast zu dem schmutzigen schwarzen Schlepper mit rauchendem Trichter, der sie abschleppt. Turner, der das Meer, den Himmel und das Wetter zu malen wusste, hat den Mond am Himmel in der Nähe des Segelschiffes platziert. Der Mond befindet sich in seiner letzten Phase. Auf der anderen Seite des Bildes geht die Sonne mit einem roten Schein wie Feuer auf dem Wasser auf. Der abnehmende Mond ist das Symbol für das Vergehen des Zeitalters der großen Segelschiffe. Die glühende Sonne auf dem Wasser ist das Symbol für das neue Zeitalter der Dampfmaschine.

• Wachtmeister, The Haywain, 1821, Suffolk
• Ingres, Madame Moitessier, 1856, Paris
• Courbet, Frauen am Seine-Ufer, 1857, Frankreich

• Henri Fantin-Latour, Äpfel auf einem Teller, 1861, Frankreich

Dieses Bild ist ein Stillleben. In der Renaissance waren Schnitzereien von Stillleben oft Teil der Holzdekoration in wichtigen Räumen eines Palastes. In den 1600er und 1700er Jahren wurden auch Gemälde mit Stillleben üblich und waren am häufigsten im Speisesaal zu sehen, wo Obst, Blumen und Tiere, die wegen Fleisch getötet worden waren, eine modische Dekoration waren. In den 1800er Jahren malten viele Künstler wie Fantin-Latour kleine Stillleben wie dieses, um ihre Fertigkeiten im Arrangieren eines Bildes, im Studium des Lichts und in der Untersuchung der Textur zu üben. Viele Künstler malten auch Stillleben, weil sie zu arm waren, um für ein Künstlermodell zu bezahlen, oder weil das Wetter zu schlecht war, um Landschaften zu malen. Fantin-Latour hat eine große Anzahl von kleinen Bildern wie dieses gemalt. Er hat vier Äpfel in verschiedenen Farben und Formen arrangiert und eine Studie darüber angefertigt, wie das Licht auf ihren gekrümmten Oberflächen aussieht.

• Manet, Die Kellnerin, 1879, Paris
• Claude Monet, The Houses of Parliament, London, französischer Maler. Siehe unten.
• Renoir, Die Regenschirme, um 1880, Frankreich

• Seurat, Die Badenden in Asnieres, 1884, Frankreich

Seurat war ein Freund der französischen impressionistischen Maler. Er hatte die Theorie, dass alle Farben aus vielen Farben bestehen, die aussortiert werden, wenn Licht ins Auge fällt. Er experimentierte mit Farbe, indem er in winzigen Punkten malte. Sein Malstil wird Pointillismus genannt. Dieses große Gemälde nahm viel Zeit in Anspruch. Obwohl es eine Außenszene mit vielen Figuren ist, ist es sehr still, als ob die Zeit stehen geblieben wäre. Wenn man sich das Gemälde genau ansieht, sieht man, dass selbst die Teile, die weiß oder schwarz erscheinen, aus Hunderten winziger Farbpunkte bestehen.

• Edgar Degas, Kämmendes Haar, um 1885, Paris
• Cezanne, Berge in der Provence, 1890, Provence

• Vincent van Gogh, Landschaft mit Zypressen-Kiefer, um 1890, Frankreich

Vincent van Gogh hatte ein schwieriges und unruhiges Leben. Er wurde in Holland geboren, ging aber in Frankreich zur Malerei. Er hatte nur sehr wenige Freunde und hatte Schwierigkeiten, seine Bilder zu verkaufen. Glücklicherweise hatte er die Unterstützung seines Bruders Theo und eines Arztes, für den er Bilder malte. Diese Landschaft ist ein gutes Beispiel für seinen Stil. In dem Gemälde scheint alles ein Eigenleben zu haben. Die Wolken sind wie große Tiere, die über den Himmel rollen, das wogende Korn streckt sich wie Hände aus, die Berge grollen und die Zypressenkiefer sieht recht gefährlich aus. Vincent benutzte jeden Pinselstrich, um diese flammenartige Bewegung zu erzeugen. Eine weitere wichtige Sache in diesem Gemälde ist der Kontrast. Die Farben wechseln von warmem rötlich-orange bis eisblau. Der große dunkle Baum auf der rechten Seite steht im tonalen Kontrast zu den weißen Wolken. Die vertikale Richtung des Baumes steht im Kontrast zur horizontalen Richtung der Landschaft. 1890 nahm Vincent sich das Leben, nachdem er in nur fünf Jahren Hunderte von Bildern gemalt hatte.

• Henri Toulouse-Lautrec, Frau im Garten, 1891, Frankreich
• Douanier Rousseau, Durch einen Sturm verängstigter Tiger, 1891, Paris
• Gustav Klimt, Bildnis der Hermine Gallia, 1904, Wien

van Gogh


Seurat


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Stubbs


Turner


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